MÚSICA DEL SIGLO XX
MÚSICA CONTEMPORÁNEA
El siglo XX musical se caracteriza porque la música no responde ya a corrientes estilísticas, sino a técnicas para la composición. Si bien en el s XIX Europa es el centro donde se desarrollan los estilos o corrientes musicales que posteriormente ejercerán influencia en todo el mundo, en el s XX, a partir de 1910, aproximadamente, Europa tiene que compartir esta supremacía sobre la civilización occidental.
Esta naciente etapa del arte genera nuevas corrientes como la música dodecafónica, sistema formulado por Arnold Schoenberg, que sustituye el sistema mayor-menor en busca de un nuevo sonido con un refinamiento extremo, pero también de una tremenda sonoridad, dura y sin concesiones. Edgar Varèse creará una música abstracta e independiente de lo convencional. Aaron Copland escribe música persiguiendo ritmos y colores ajenos a su formación, como los de las etnias indoamericanas o de la música popular mexicana, y Alban Berg resume en su música el pasado para después liberarse de él.
Es también la época del ritmo y la síncopa, es decir, del jazz, que entra a las salas de concierto con George Gershwin; nace la experimentación de la música electrónica; la música de cámara persigue nuevas instrumentaciones de la orquesta; la comedia musical sustituye a la opereta; en el ámbito popular aparece la música como fenómeno de masas, entonces se escribe música para películas, para televisión y para radio. La música nacionalista retrocede para dar pie a corrientes de vanguardia en diferentes países.
La experimentación en las técnicas origina una serie de composiciones que recaen en las siguientes divisiones:
Música aleatoria
Es un sistema de composición que da cierta libertad al intérprete, quien a partir de notaciones fijadas por el compositor puede hacer combinaciones arbitrarias, aunque de acuerdo con ciertas normas.
La música aleatoria o "fortuita", como se ha dado en llamar, tuvo su auge en los años sesenta y principios de los setenta. Algunos compositores como Karlheinz Stockhausen, nacido cerca de Colonia, en 1928, escribieron obras cuyas partes eran posibles de transponer en secuencias de tiempo y, al igual que el griego Yannis Xenakis, nacido en 1922, ha escrito obras mediante el auxilio de una computadora.
Música concreta
La concreta es un tipo de música que combina ruidos de objetos y aparatos con sonidos creados electrónicamente. La experimentación la inició P. Schaeffer en París, con Etude aux chemins de fer, 1948, y Simphonie pour homme seul, de 1950, basada en la manipulación de sonidos y ruidos pregrabados del ambiente natural, así como distorsiones, filtros y aceleramientos.
Después de la Segunda Guerra Mundial, en Francia se dio el auge de un género diferente de la música electrónica en el que se hicieron numerosos esfuerzos para incorporar, por medio de la tecnología, los sonidos de la naturaleza, del habla, de las máquinas, etc., en la partitura musical. Todos los sonidos podían ser útiles para crear o adornar una composición, desde ruidos de pisadas hasta una aspiradora trabajando, mediante la utilización de cintas magnetofónicas que se hacían correr de atrás para adelante, con un tiempo demasiado rápido o, por el contrario, muy lento.
Edgar Varèse fue el compositor que por vez primera empezó a interpretar música en vivo con el acompañamiento de sonidos grabados de antemano. La primera de sus obras, que fue presentada en la Feria Mundial de Bruselas, en 1958, Poème electronique, grabado en cinta magnética, causó un gran furor.
Otro de los grandes compositores de música concreta es John Cage, quien logra en sus obras conjuntar la maestría musical con la irreverencia en el escenario.
Música de colores
La música de colores fue un experimento en el que se buscaba coordinar determinados colores con determinados sonidos, es decir, es la búsqueda de la similitud espectral entre la gama de siete sonidos y la de siete colores. Por supuesto esta similitud está basada en una mera especulación subjetiva; sin embargo, siglos atrás Isaac Newton había formulado un tratado sobre la armonía de los colores que fue aplicado por Louis Bertrand Castel (1688-1757) a un "piano de colores" llamado clavecín ocular. Estas teorías adquirieron nueva importancia entre 1890 y 1930, lo que dio lugar a los órganos de colores y al clavilux, en 1925. El húngaro A. Laszló realizó un trabajo mediante la luz emitida por un aparato proyector en un piano corriente.
Música dodecafónica
La música europea, sobre todo en cuanto a la armonía, resultaba demasiado cargada. En Viena, Schoenberg, aproximadamente en 1915, empezó a buscar nuevas formas armónicas, de tal suerte que concibió a las doce notas que componen la escala como entidades independientes, con esto el sistema armónico anterior quedaba atrás y en su lugar aparecía uno enteramente nuevo. De esta manera construyó un nuevo sistema sobre lo que él denominó la serie dodecafónica.
Esta serie es la disposición de los doce semitonos en una secuencia concebida. La regla de este compositor es que ninguna nota de la serie puede repetirse si las otras once no han sido tocadas. De esta manera las melodías y las armonías se derivaban de esta serie. La primera obra construida con base en una seriación fue la Suite para piano op. 25 de Schoenberg, compuesta en 1924.
Schoenberg, que prefería ser llamado constructor y no compositor, estableció que esta secuencia determinada de las 12 notas de la escala cromática podía ser tocada en el orden normal, pero con tres derivaciones: inversión de la serie tonal, en que los intervalos superiores se convierten en inferiores y viceversa; el cancrizzante, es decir cuando la serie tonal suena en sentido inverso, y la inversión del cancrizzante. Asimismo, puede presentarse en secuencias o de manera simultánea. También puede ser ejecutada de manera simultánea en forma completa y/o en partes, o bien puede ser tocada de manera seriada como en una melodía.
Una serie puede ser empleada como una entidad o disociada en varios temas o motivos más pequeños. Se ha llegado a estimar que por medio de esta técnica es posible conocer aproximadamente 500 millones de combinaciones distintas que, sin duda, pueden también ser infinitas. Este método también se ha llamado atonal (sin tono), pero Schoenberg lo llamo simplemente "método de componer con los 12 tonos, que guardan relación sólo entre sí".
Schoenberg deseaba, con su sistema dodecafónico, liberar al compositor de las antiguas reglas de la armonía, de las que pensaba se había abusado. Sin duda, había dado un sistema armónico diferente al establecido, pero también rígido, en donde la disonancia, en contraposición a la consonancia, también ubicaba al compositor en un sistema, si bien diferente, también con restricciones. Su idea, como la de otros compositores que le siguieron, fue la de evitar, a toda costa, un centro armónico como en el sistema convencional.
Esta naciente etapa del arte genera nuevas corrientes como la música dodecafónica, sistema formulado por Arnold Schoenberg, que sustituye el sistema mayor-menor en busca de un nuevo sonido con un refinamiento extremo, pero también de una tremenda sonoridad, dura y sin concesiones. Edgar Varèse creará una música abstracta e independiente de lo convencional. Aaron Copland escribe música persiguiendo ritmos y colores ajenos a su formación, como los de las etnias indoamericanas o de la música popular mexicana, y Alban Berg resume en su música el pasado para después liberarse de él.
Es también la época del ritmo y la síncopa, es decir, del jazz, que entra a las salas de concierto con George Gershwin; nace la experimentación de la música electrónica; la música de cámara persigue nuevas instrumentaciones de la orquesta; la comedia musical sustituye a la opereta; en el ámbito popular aparece la música como fenómeno de masas, entonces se escribe música para películas, para televisión y para radio. La música nacionalista retrocede para dar pie a corrientes de vanguardia en diferentes países.
La experimentación en las técnicas origina una serie de composiciones que recaen en las siguientes divisiones:
Música aleatoria
Es un sistema de composición que da cierta libertad al intérprete, quien a partir de notaciones fijadas por el compositor puede hacer combinaciones arbitrarias, aunque de acuerdo con ciertas normas.
La música aleatoria o "fortuita", como se ha dado en llamar, tuvo su auge en los años sesenta y principios de los setenta. Algunos compositores como Karlheinz Stockhausen, nacido cerca de Colonia, en 1928, escribieron obras cuyas partes eran posibles de transponer en secuencias de tiempo y, al igual que el griego Yannis Xenakis, nacido en 1922, ha escrito obras mediante el auxilio de una computadora.
Música concreta
La concreta es un tipo de música que combina ruidos de objetos y aparatos con sonidos creados electrónicamente. La experimentación la inició P. Schaeffer en París, con Etude aux chemins de fer, 1948, y Simphonie pour homme seul, de 1950, basada en la manipulación de sonidos y ruidos pregrabados del ambiente natural, así como distorsiones, filtros y aceleramientos.
Después de la Segunda Guerra Mundial, en Francia se dio el auge de un género diferente de la música electrónica en el que se hicieron numerosos esfuerzos para incorporar, por medio de la tecnología, los sonidos de la naturaleza, del habla, de las máquinas, etc., en la partitura musical. Todos los sonidos podían ser útiles para crear o adornar una composición, desde ruidos de pisadas hasta una aspiradora trabajando, mediante la utilización de cintas magnetofónicas que se hacían correr de atrás para adelante, con un tiempo demasiado rápido o, por el contrario, muy lento.
Edgar Varèse fue el compositor que por vez primera empezó a interpretar música en vivo con el acompañamiento de sonidos grabados de antemano. La primera de sus obras, que fue presentada en la Feria Mundial de Bruselas, en 1958, Poème electronique, grabado en cinta magnética, causó un gran furor.
Otro de los grandes compositores de música concreta es John Cage, quien logra en sus obras conjuntar la maestría musical con la irreverencia en el escenario.
Música de colores
La música de colores fue un experimento en el que se buscaba coordinar determinados colores con determinados sonidos, es decir, es la búsqueda de la similitud espectral entre la gama de siete sonidos y la de siete colores. Por supuesto esta similitud está basada en una mera especulación subjetiva; sin embargo, siglos atrás Isaac Newton había formulado un tratado sobre la armonía de los colores que fue aplicado por Louis Bertrand Castel (1688-1757) a un "piano de colores" llamado clavecín ocular. Estas teorías adquirieron nueva importancia entre 1890 y 1930, lo que dio lugar a los órganos de colores y al clavilux, en 1925. El húngaro A. Laszló realizó un trabajo mediante la luz emitida por un aparato proyector en un piano corriente.
Música dodecafónica
La música europea, sobre todo en cuanto a la armonía, resultaba demasiado cargada. En Viena, Schoenberg, aproximadamente en 1915, empezó a buscar nuevas formas armónicas, de tal suerte que concibió a las doce notas que componen la escala como entidades independientes, con esto el sistema armónico anterior quedaba atrás y en su lugar aparecía uno enteramente nuevo. De esta manera construyó un nuevo sistema sobre lo que él denominó la serie dodecafónica.
Esta serie es la disposición de los doce semitonos en una secuencia concebida. La regla de este compositor es que ninguna nota de la serie puede repetirse si las otras once no han sido tocadas. De esta manera las melodías y las armonías se derivaban de esta serie. La primera obra construida con base en una seriación fue la Suite para piano op. 25 de Schoenberg, compuesta en 1924.
Schoenberg, que prefería ser llamado constructor y no compositor, estableció que esta secuencia determinada de las 12 notas de la escala cromática podía ser tocada en el orden normal, pero con tres derivaciones: inversión de la serie tonal, en que los intervalos superiores se convierten en inferiores y viceversa; el cancrizzante, es decir cuando la serie tonal suena en sentido inverso, y la inversión del cancrizzante. Asimismo, puede presentarse en secuencias o de manera simultánea. También puede ser ejecutada de manera simultánea en forma completa y/o en partes, o bien puede ser tocada de manera seriada como en una melodía.
Una serie puede ser empleada como una entidad o disociada en varios temas o motivos más pequeños. Se ha llegado a estimar que por medio de esta técnica es posible conocer aproximadamente 500 millones de combinaciones distintas que, sin duda, pueden también ser infinitas. Este método también se ha llamado atonal (sin tono), pero Schoenberg lo llamo simplemente "método de componer con los 12 tonos, que guardan relación sólo entre sí".
Schoenberg deseaba, con su sistema dodecafónico, liberar al compositor de las antiguas reglas de la armonía, de las que pensaba se había abusado. Sin duda, había dado un sistema armónico diferente al establecido, pero también rígido, en donde la disonancia, en contraposición a la consonancia, también ubicaba al compositor en un sistema, si bien diferente, también con restricciones. Su idea, como la de otros compositores que le siguieron, fue la de evitar, a toda costa, un centro armónico como en el sistema convencional.
MÚSICA CONTEMPORÁNEA
Principalmente en Francia y Alemania, nacen las primeras modificaciones del lenguaje musical, lo que impide que la tradición que venía desarrollándose por siglos, pueda continuar. Estas se distinguen por una ruptura y un desarrollo, con nuevos enfoques del sonido, se usan instrumentos no tradicionales, etc...
Mientras tanto, en la armonía, a las estructuras acordales de 2, 4, o 5 notas, se le incorporaron varios sonidos más, obteniendo combinaciones de gran disonancia. En este período, no solamente se produce una situación de poliacordes, si no también de poliarmonía.
Los compositores de las décadas de 1860 y 1870, marcan el cambio del período romántico al siglo XX.
LA MÚSICA CLÁSICA
La música clásica del siglo XX comenzó con la continuación de los movimientos vigentes a finales del siglo XIX tales como el estilo romántico tardío y posromántico de Sergéi Rajmáninov, Gustav Mahler y Richard Strauss, el impresionismo de Claude Debussy y Maurice Ravel, y los fervores del nacionalismo en Latinoamérica, Norteamérica, y Europa fuera de Alemania, Francia, e Italia que dominaron por siglos la cultura musical del continente.
NACIONALISMO
El Nacionalismo en música se refiere al uso de materiales que son reconocibles como nacionales o regionales. El nacionalismo también incluye el uso del folclore como base conceptual, estética e ideológica de obras programáticas u óperas.
